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Biblioteca - Productividad |
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| La pre y post-producción Multimedia |
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31/07/2005 |
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Por Angel Diego Merlo. - dmerlo@acbs.com.ar |
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Nivel recomendado de lector: Básico |
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Imaginen estar viendo a Tom y Jerry, con el volumen del televisor puesto a cero. Hagan la prueba. También pueden escoger cualquier película de ciencia ficción y quitándole el audio, guiarse por los subtítulos. Inténtenlo y entenderán el por qué de esta nota. Recibirán sólo parte de un mensaje... La comunicación de ideas es más efectiva cuando los recursos de imagen y sonido interactúan armónicamente
El concepto de multimedios se autodefine. No es un concepto exclusivo de la era informática, nace con la tragedia griega, crece con el teatro y la ópera, madura con el cine y la televisión, y entra en plenitud con el uso de las computadoras.
¿Que tienen en común todos esos medios de comunicación.? Indudablemente el talento de sus creadores e intérpretes, y las metodologías de trabajo empleadas para concretar la inspiración en un mensaje comunicativo. La producción de multimedios no es un hecho técnico solamente. No bastan 128 Mg de ram, ni una septium de 2500 hz. Hace falta talento y un buen método de trabajo para optimizarlo. El talento les queda a Uds., desde estas líneas intentaremos ayudar un poco en el segundo sentido.
Reflexionemos un poco acerca de algunos conceptos a veces olvidados y si es necesario replanteemos nuestro modo de encarar una producción multimedial, llámese ésta: video hogareño, documento hypertextual o super producción de Hollywood.
Antes, durante y después
Cualquier recurso de comunicación sufre cuatro procesos importantes y bien diferenciados. Sean éstos sonido, palabras, imagen, o texto, se someten a etapas comunes:
La pre-producción: Es un momento de concepción y gestación de ideas. De elección de los recursos técnicos más apropiados en base a limitaciones reales. El proceso de composición de una obra musical, el análisis de las tesituras de los instrumentos, la colocación de micrófonos, etc., son ejemplos del mundo del audio. Hallan su paralelismo en la elección de un guión cinematográfico, el casting, la escenografía y la iluminación.
La producción: El momento de dar a luz. Se llevan a cabo mediante los recursos planificados la realización de las ideas Se ejecuta y se graba la obra musical. Se tipea el texto. Se realizan las tomas de cámara.
La post-producción: En esta etapa se hace crecer y madurar el producto de comunicación. Se reúnen los recursos. Se pulen imperfecciones. Se eligen las mejores tomas. Se mezclan los niveles de grabación. Se hacen los fundidos de las escenas. Se realiza la revisión ortográfica... En fin, se perfecciona el mensaje. Se chequean posibles errores. Controlamos la calidad y disfrutamos de ver a nuestro hijito ya crecido, listo para salir al mundo.
La elección del soporte de difusión y la comercialización: Cualquier hecho de comunicación tiene un destinatario, aunque sea uno mismo. Por lo tanto es importante elegir correctamente el soporte en cual se hará la difusión de nuestra creación. ¿Será en un video?, ¿Será en CD-Rom?, ¿Para la radio o TV?, ¿Para los amigos?...Son preguntas que debemos hacernos puesto que está ligadas a la calidad y al costo de difusión, distribución y comercialización.
Todos estos procesos actúan sucesivamente para generar el producto multimedial final, pero también por tratarse de hechos complejos, cada ítem mencionado tiene su propia etapa de pre-producción, producción y post-producción. Por ejemplo la etapa de pre-producción de una película debe tener como recurso básico la escenografía. Pero a su vez la escenografía tiene las tres etapas descritas anteriormente. (El diseño escenográfico, la elección de materiales, la realización y el montaje final, por ejemplo.)
Este es un boceto de flujo de las etapas de pre y post-producción. Está incompleto pero sirve para detectar que cada recurso encierra en sí mismo las mismas etapas que el proceso global.
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El soundtrack
¿Qué sucede con el audio cuando producimos un video? ¿Utilizaremos el sondo directo o post-produciremos todo el audio...?. Si queremos tener una buena calidad final optaremos por lo segundo. Imaginemos la realización de una película. La imagen viene cumpliendo sus etapas de pre y post-producción por una parte, por otro lado el director del doblaje ya está trabajando en la adaptación del guión y se están tomando las voces en estudio. Nos entregan un video con la película finalmente editada, pero sin doblaje ni audio, tan solo unos números que van avanzando en la pantalla, para guiarnos en el tiempo. (01:21:23:24, representan a las hs:min:seg:frames y son la imagen visual del código de sincronía que nos permite situarnos en el tiempo) ...Manos a la obra..!
La producción de la banda sonora distingue cinco procesos, que pueden realizarse en fases simultáneas y por distintas personas.
La música: La confección de la música es un papel importantísimo cono complemento del lenguaje audiovisual. Esta puede ser de creación original, o tomada de librerías (observando cuidadosamente las condiciones de Copyright de las mismas). En general es preferible la música original, por estar compuesta y arreglada especialmente para el guión y la imagen que nos dan de referencia. A la etapa de post-producción multimedial la música puede llegarnos en formato midi o en audio digital. Si la calidad de los instrumentos a ejecutar las órdenes midi es buena, es preferible su uso. El midi es muchísimo más económico en términos de recursos y bytes, por lo tanto aliviana el trabajo de post-producción liberando recursos de la máquina. A mi juicio la única razón por la cual utilizaremos audio digital para la música es porque tenemos que grabar instrumentistas reales, o porque recurrimos a librerías de música. En el caso de tener que usar audio digital evaluemos como factores de calidad, la frecuencia de muestreo, (44100 hz si es posible) , la resolución (16 bits mínimo) y la condición Stereo-Mono. Si es necesario reducir bytes, mejor reducir la frecuencia de muestreo que la resolución (32 Khz es lo mínimo aceptado).
Tengamos en cuenta el carácter de la escena, la entrada y salida de la imagen ( no podemos usar un final musical de fade out, si la imagen hace un cambio de plano directo, por ejemplo) Seamos coherentes en la elección de la instrumentación y estilos, a lo largo de toda la obra. Retoquemos el "tempo", la duración de los clips de música, y comprobemos con la imagen, hasta que estemos absolutamente satisfechos.
Los ambientes: Olvidados y descuidados en general, los ambientes sonoros parecen desapercibidos cuando están, y sin embargo cuando no existen la sensación final de la imagen es poco creíble. Imaginen la escena de una charla en un bar. Se escucha a la actriz principal revolver el café. Se ve gente hablando en el fondo, y sin embargo... todo está en silencio, como si no hubiera nadie... Los ambientes constituyen una parte importante del soundtrack. Ayudan a hacer la escena más creíble. Hay ambientes de tráfico, de pajaritos, de playa, de bares, etc. En general no es difícil hacer la secuencia de ambientes, ya que casi siempre coinciden con el cambio de escena. Se utilizan muestras de audio digital tomadas de ambientes reales o de librerías de sonidos.
Los efectos de sonido: El coche que frena, la puerta, el ruido de la caja registradora, el león que atemoriza con sus rugidos, en fin, todo aquello que no podemos grabar dentro de la cabina del estudio se ha de tomar de librería de sonidos y sincronizar estrictamente con la imagen. Ni bien la puerta toca el dintel habrá que disparar ese "portazo.wav" para que sea realista y creíble. Y si el portazo que tenemos es de puerta de hierro, mientras que la imagen muestra una de madera, pues habrá que buscar otro o editar mediante herramientas de filtraje y edición de audio nuestra muestra para que sea realista. En esto hay que ser absolutamente preciso e insoportablemente exigente. Para lo cual es ventajoso tener una amplia librería de sonidos. Si es posible varias muestras de puertas de madera, (rojas, verdes y amarillas si hiciera falta aunque solo se escuchen...) Cuanto mayor y mejor clasificada esté nuestra biblioteca de sonidos más fácil será post-producir el soundtrack.
Los efectos de sala: Todo aquello que podamos grabar en la sala de grabación es preferible a utilizar una librería de sonidos. Los ruidos que producen las prendas de vestir al rozarse, las cucharillas de café, el volteo de las hojas de papel, los fósforos, y una innumerable gama de efectitos casi minúsculos se realizan grabándolos directamente. Es más rápido que utilizar una librería de sonidos y queda mejor. Solo hace falta un poco de práctica.
Los pasos: Se graban en sala. Se utiliza una caja de madera en donde caminaremos sin avanzar marcando los pasos en concordancia con la imagen. Si los pasos son sobre concreto, tiraremos azúcar dentro de la caja, si son sobre la playa un poco de arena será suficiente. Si son sobre tierra, un felpudo nos ayuda. Si son pasos sobre césped, bastará con desenrollar la cinta de seis o siete cassettes viejos, enredarla un poco y marcar los pasos sobre ella.
Este es un ejemplo de guión técnico utilizado para planificar el trabajo en los estudios de televisión española. Haga click en la imagen para agrandar
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¿Quién manda a Quién?
En presencia de dos recursos expresivos como la imagen y el audio es importante lograr una unidad. Dado que es muy difícil operativamente trabajar con los dos a la vez, en donde uno influya sobre el otro y viceversa, se opta en el proceso de post-producción por elegir uno de ellos como inspirador del otro. Desde el punto de vista técnico, en la mayoría de los casos la imagen invoca a el audio. Este principio es esencial y debería ser el dogma desde el cual empezar a trabajar. Desafortunadamente en nuestro país todavía no hay una conciencia formada en cuanto a éste criterio y salvo honrosas excepciones la mayoría de los estudios de video semi-profesional, trabajan con ambos procesos a la vez, optando muchas veces por estirar o cortar un poquito la imagen así cuadra con la música. En general cualquier producción de calidad debe someter el mundo del audio al de la imagen. El técnico de audio debe trabajar con la imagen final completamente editada y es su preocupación la de sincronizar todos los efectos en el momento justo. Esta decisión potencia la libertad creativa de los editores de video que pueden trabajar con la imagen a su gusto, y por otro lado la edición de audio es menos engorrosa que la de video y requiere maquinarias menos costosas. Una excepción válida para este criterio es la de los video clips de grupos musicales. En ese caso el discurso visual está sometido al devenir del audio, en parte porque el audio fue creado previamente al video.
 Desde un punto de vista técnico en toda situación en donde intervienen dos líneas de tiempo, debemos forzosamente sincronizar. Es decir hacer que ambas líneas de tiempo fluyan y cooperen armoniosamente. La imagen posee un discurso lineal en el tiempo, el soundtrack y el doblaje también ocurren en el tiempo. Se ha de elegir a uno de ellos como conductor del otro. Es decir esclavizar un recurso a otro a través de periféricos dedicados llamados sincronizadores. Uno de ambos mundos actúa como "Master de sincronía" y el otro como "esclavo". Casi siempre la imagen actúa como Master y el audio como esclavo en parte porque así lo sugiere el método estético. Por otra parte porque la imagen no siempre está digitalizada y las cintas de video producen cierto arrastre que la computadora de audio puede corregir fácilmente, mientras que a la inversa resulta menos fiable. En general siempre que haya un periférico analógico y otro digital, el analógico actuará de Master de sincronía. Para poder sincronizar nuestra computadora con el mundo analógico o con otras computadoras hace falta una interfase de "SMPTE". Encargada de generar, y leer los códigos de tiempo. Muchos programas de edición midi, audio digital o video digital hacen buen uso de este tipo de interfases.
Exportación de los trabajos:
Luego de haber realizado nuestro trabajo final puede ocurrir que no tengamos el equipo suficiente para bajarlo al soporte elegido. Siempre se pueden subcontratar servicios para poder bajar nuestra producción a un video de calidad profesional, o hacer la impresión de nuestro CD. Casi todos los programas de post-producción nos permiten exportar nuestros trabajos. El sentido de tal exportación es una vez después de haber sincronizado, mezclado y procesado todo, finalmente hacer la mezcla final.
Algunos permiten la exportación directa de los recursos ( el midi por ejemplo). Otros manejan la exportación a través de "EDL", listas de edición que facilitan usar todos los recursos fuentes y ponerlos en sincronía en unos minutos para hacer la bajada al soporte final. Algunas exportaciones de audio se realizan a través de una tarjeta con salida de audio digital tipo "SPDIF" o "AES-EBU" y un "DAT" para portar la información. Es conveniente antes de terminar el producto chequearlo de arriba a abajo y en las peores condiciones posibles. Piensen que el destinatario del resultado multimedial no siempre tiene el mismo equipo que nosotros. Así que de nada sirve que nuestro documental se vea y se escuche perfecto en nuestra estación de trabajo, si las personas que lo van a ver lo van a reproducir en un TV de 14 pulgadas blanco y negro, con un parlante de cinco cm de diámetro. Por lo tanto si en esas peores condiciones nuestro producto es decente, tengan por seguro que en un sistema más sofisticado se verá notablemente favorecido.
Discursos Lineales vs. No-Lineales:
Cuando hablamos de cine. de teatro o de un libro, hablamos de un discurso lineal, hay una sola línea de tiempo y un solo camino a seguir. El manejo de la tensión y el devenir de los recursos utilizados tiene un modo de ser que en cierto modo es previsible. Sin embargo cuando hablamos de documentos hipertextuales, de presentaciones multimediales en computadoras, las cosa cambian considerablemente. Se ve absolutamente rota la linealidad del discurso. De una sección puedo irme a otra y la estructura es más bien ramificada y recursiva. (Salvo que la forcemos a un discurso lineal, claro está...). En ese caso las reglas de juego cambian un poco. Puede partirse el trabajo en diferentes áreas de post-producción y encarar la producción de una rama por vez, o puede trabajarse en estrecha interacción con la imagen y al revés. Hay que prever entonces algunas modificaciones. Es posible que el usuario se quede en esa página por 20 o 30 minutos, ¿entonces que hago con la música?, habrá que buscar procedimientos recursivos para los medios sonoros tales como encontrar estructuras armónicas que puedan funcionar en ciclos. Y con el audio digital habrá que preparar las muestras para que puedan hacer un "loop" en memoria. También es posible que el usuario deje la sección después de 3 segundos, en cuyo caso el clip de audio no puede cortar abruptamente. Habrá que trabajar entonces sobre los fundidos de los clips. vía llamados a MCI commands o editando el clip en sí mismo. En fin, todo un mundo distinto por descubrir y toda una nueva estética de post-producción por desarrollar... pero ese ya es otro tema...
Shareware, Public Domain y Copyrights:
Ahora que ya casi llegamos al final, y si hicieron el intento de poner en práctica estos consejos se habrán dado cuenta del trabajo que les lleva. Pues bien, que me dirían si mañana mismo encuentran el video digital que acaban de terminar ayer a las cinco de la mañana, distribuido por una mano ajena a 10.000 usuarios diferentes. Y encima cuando se inicia el video ni siquiera figura el nombre de Uds. Bien, ni hablar....No todo es FREEWARE mis amigos... Las producciones gozan de varios derechos de propiedad que no siempre son cedidos para que cada cual los use a su antojo. Ya sé que es un caos todo este tema, que la legislación no es muy clara, y que la manipulación electrónica de los clips dificulta la prueba legal de hurto, plagio o alteración. A veces me horrorizo cuando escucho alguna telenovela que usa como música de suspenso pedazos de la banda sonora de "Drácula". Así sin preguntarle a nadie... O cuando algún tecniquillo de video dice la famosa frase: "...Y bueh, en esta escena es media romanticona, ponemos el CD de Enia...y ya está..." Hay un derecho de propiedad intelectual a respetar. El derecho de autor. No basta con aclarar que esta producción se utilizó música de Juan Pepito, es necesario preguntarle a ese señor si nos permite usar su música y en qué condiciones. Uds. me dirán entonces que la música de los clásicos es "Public Domain", y tienen razón, puesto que después de haber transcurrido una cierta cantidad de años, las obras pasan a ser de dominio público. Las obras sí, pero las interpretaciones no. Existe también un derecho de intérprete a respetar. No basta con encontrar un archivo midi en una BBS para pensar que es shareware... Tienen que tener expreso consentimiento del autor y del intérprete para publicarlo. Ante la duda absténganse. Desafortunadamente la mayoría de las librerías de venta comercial se saltan estos derechos, y hasta hay alguna revista española que publico una cantidad inmensa de archivos midis, todos ellos pirateados de casas que los venden comercialmente y que pagan derechos de autor e intérprete para ello. Los discos de efectos de sonido también requieren el uso de licencias especiales. Aunque te lo venden en una disquería, si miramos las letras chiquitas aclaran: "solamente apto para uso privado, prohibida su publicación, etc.,". Produzcamos nuestro propio material de recursos. O bien aceptemos el caos que implicaría no poder poseer propiedad intelectual y atengámonos a un nuevo orden de cosas en ese sentido. Prefiero lo primero aunque no me salga tan bonito como el CD de efectos de la BBC de Londres.
El factor humano:
Por suerte somos el factor de mayor importancia en todo este ajedrez tecnológico. Cuando producimos multimedios creamos un vehículo de comunicación lleno de riqueza expresiva. Espero que una vez aplicados esos conceptos técnicos podamos también charlar con los amigos y comentar con ellos la producción del video de el primer cumpleaños de nuestro nene. O discutir el solo de piano que inventamos en el medio del archivo midi. En una época llena de módems y teléfonos celulares, cada vez hablamos menos... Si los multimedios nos sirven de excusa para divertirnos y ejercitar el diálogo y la risa, bienvenidos sean.... Si nos encierran durante 20 horas frente a un monitor, entonces... voto a los cavernícolas, por lo menos gruñían de vez en cuando...
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Grabación digital: ¿DAT o MiniDisc? |
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Existen en el mercado diversas tecnologías para el registro digital del sonido, y la mayoría de ellas proporciona, a primera vista, resultados aceptables. Sin embargo, existen diferencias importantes que pueden incidir en la calidad lograda, y por lo tanto es preciso conocer los alcances y las limitaciones de cada tecnología, para seleccionar la que mejor se adapta a nuestra ecuación costo-prestaciones.
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Consideraciones generales de Reverb, EQ y Paneo |
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Estudiar ecualización suele presentarse como una ardua tarea, sin embargo, trataremos de sintetizar algunos conceptos esenciales para facilitar la misma, asi como tambien exploraremos un poco las utilidades y características de la reverb y el paneo. |
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Usando compresores y compuertas |
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Técnicamente hablando, un compresor es un procesador dinámico, cuya función principal es la de reducir el rango dinámico de una voz o instrumento determinado.
Esta definición es bastante simple de enunciar, y requiere de experiencia para llevarla a la práctica ya que un uso inapropiado puede hacer perder vida al sonido producido por el intérprete. Esto es lo que aprenderemos a continuación... |
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Del sonido del vinilo al MP3 |
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Cuando apareció el estandard de compresión para cd, a los sibaritas de la buena música nos resultó bastante molesta la gran diferencia del sonido obtenido con el nuevo suporte respecto al sonido que nos ofrecian los cabezales de los antiguos tocadiscos, con sus agujas de diamante, siempre dispuestos a captar cualquier frecuencia, deseada o no, que pudiera salir del surco del vinilo. El estandard digital para cd requeria de una discriminación de frecuencias suficiente como para poder guardar 80 minutos de sonido en el espacio físico del cd. Aunque la digitalización nos ofrecia la supresión de frecuencias molestas, como los zumbidos de fondo (hiss) características de las cintas de cassette, y los ruiditos de corriente estática y deterioro del soporte (clicks&pops, rumble) característicos del vinilo, con todo el paquete también desaparecian unas gamas de frecuencias que se consideraban "imperceptibles para el oido humano" y que debian sacrificarse también para lograr alojar esos 80 minutos de música. Pero la consideración no era del todo cierta: esas frecuencias, aparentemente imperceptibles, son necesarias para dotar al sonido de un "cuerpo" que en los vinilos permanecía intacto. Con el estandard cd, los timbres resultaban más pobres, y esto se hacía patente muy especialmente en los bajos. Con la aparición del Minidisc, el problema aún iba más lejos: Nuevamente se trataba de conseguir un mayor ahorro de espacio, y nuevamente se conseguía mediante la supresión de más y más frecuencias, siempre bajo la excusa de "que son imperceptibles para el oido humano". Ahora se trataba de supresiones tan salvages como esta: "De dos frecuencias idénticas que se producen en un mismo instante (muestra) se suprime aquella que tiene menos intensidad (dbs) sin que el oido humano lo advierta". Así, pues, ¿Qué pasa con los armónicos? por ejemplo. ¿Qué son los armónicos, sinó frecuencias idénticas que se sobreponen? Se imaginan que sucede?, por poner un ejemplo, si intentamos copiar un concierto de música coral a formato minidisk? Los timbres se empobrecen más y más, y al final nuestro oído se acostumbra a escuchar las cosas de una manera "light", totalmente acorde con los tiempos que corren, de otro lado. |
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Micrófonos ¿Cuál? |
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En el trabajo de estudio nos encontramos con mucha diversidad de frecuencias distintas que necesitan un tratamiento particular. O tal vez, estas armando un home estudio y no contás con dinero como para comprar mas que un micro, y ese micro debe responder y cubrir la mayor cantidad de necesidades.
En fin, intentaremos resolver este dilema con algunos tips sobre microfoneria? |
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Ritmo - Segunda entrega |
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Vicente Umpiérrez Sánchez es músico autodidacta.
Sus principales maestros, a través de los textos, han sido:
Arnold Schoenberg, Paul Hindemith, Heinrich Schenker, Félix Zalser y William Russo.
Ha elaborado su propio método de educación musical. Método que reciben sus alumnos, y los alumnos de sus alumnos.
Su método se ocupa del estudio de lo más elemental y lo más complejo del arte musical y persigue producir auténticos músicos pensantes: capaces de componer, de interpretar y de enseñar de modo consciente. La Filosofía y la Estética forman parte también del contenido de sus clases.
Tres son los frentes fundamentales de estudio que se abordan en sus clases: la Composición, la Interpretación y la Didáctica.
La voz y la percusión (los dos instrumentos de música más ancestrales) están presentes en sus clases de forma continua.
Así como la entonación y la práctica coral.
"Un músico que no tenga capacidad de cantar, esto es, capacidad para la entonación y el ritmo, no es un verdadero músico."
Vive actualmente en la Islas Canarias, lugar donde nació. |
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Composición de líneas de bajo. Creando el fundamento |
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El bajo ha dejado de ser un instrumento de relleno; es más, no existen instrumentos de relleno, todos cumplen un determinado papel. Aunque es cierto que el público reconoce más el sonido de una guitarra eléctrica o piano, el bajo siempre está presente sosteniendo la canción. |
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Monitoreo, Facilitando las tareas de grabación |
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Ritmo - Primera entrega |
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En aplicaciones informáticas como, por ejemplo, Logic y Cubase, nos encontramos con el editor llamado pianola. En este editor se representa gráficamente, mediante una sucesión de cuadraditos, la división ideal del tiempo en partes iguales. Estas partes aparecen com- pendiadas dentro de divisiones mayores denominadas compases . |
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La composición musical |
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No, no me considero un personaje frío que intenta racionalizar cualquier proceso artístico; pero lo cierto es que si no sumamos trabajo a la tarea compositiva demoraremos mucho tiempo en obtener resultados. Por lo menos en mi experiencia, si tendría que enumerar la cantidad de melodías o armonías que llegaron completamente por inspiración, no llegaría a más de unas pocas.
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Comentarios
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adobe audition 3.0. |
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les ase falta este concepto y asi queda mas completa esta guia.... |
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Por Usuario Invitado - 04/03/2010 23:27:41
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